Il canto è il modo più antico di unire parola e musica. Proietta una passione che una normale conversazione non può eguagliare. Ma non tutti i canti sono uguali. Il modo in cui una società canta riflette i suoi valori. Alcune culture preferiscono un tono rilassato e naturale. Altri richiedono voci altamente addestrate, tese con un’enunciazione precisa. In Occidente tracciamo una linea dura tra tre tipi principali di musica vocale: canzoni popolari, canzoni artistiche e canzoni popolari.
La radice della canzone popolare
Le canzoni popolari sono il fondamento della musica comunitaria. Di solito vengono cantati senza accompagnamento o con un singolo strumento come una chitarra o un salterio. Fondamentalmente, vengono appresi a orecchio. Questa tradizione orale li rende fluidi. Note e testi cambiano nel corso delle generazioni. I compositori sono raramente conosciuti, ammesso che siano mai esistiti.
Queste canzoni hanno uno scopo. Accompagnano il lavoro, la danza, il corteggiamento o le cerimonie religiose. Raccontano anche storie. Le ballate anglo-americane sono orientate all’azione e spesso si concentrano su eventi tragici. Le canzoni liriche sono più sentimentali. Le melodie sono semplici. Di solito ci sono solo una o poche note per sillaba. Il linguaggio è ripetitivo e di facile comprensione. In alcune tradizioni, tuttavia, il registro del canto è così specializzato che l’ascoltatore medio non riesce a distinguere le parole.
L’ascesa della canzone d’arte
Le canzoni artistiche si collocano all’estremità opposta dello spettro. Sono destinati a cantanti professionisti o accuratamente formati. La partitura viene trascritta, rendendo le note resistenti alle alterazioni casuali. L’accompagnamento è solitamente il pianoforte o un ensemble strumentale completo.
Questo genere è un fenomeno urbano con profonde radici nelle corti, nei college e nelle chiese medievali. I trovatori e i trovatori del XII secolo lasciarono un enorme corpus di versi cantati. Le loro melodie erano sottili, altamente organizzate e riflettevano la società aristocratica. I primi manoscritti non mostrano alcun accompagnamento scritto, il che implica che sia stato improvvisato dall’esecutore.
Con la crescita della musica polifonica in Europa durante i secoli XIII e XIV, i compositori assegnarono la melodia principale a una voce solista. Nel XV secolo, trame complesse minacciavano il predominio della linea vocale. Seguì una reazione. Le canzoni divennero sparse, basandosi solo su pochi accordi. Nel XVI secolo la chiarezza del testo divenne nuovamente la priorità.
Il cambiamento di stile e struttura
Il XVII secolo portò la musica drammatica. Divideva la canzone in due forme distinte: recitativo e aria. I recitativi erano orientati alle parole e liberi, con accordi minimi. Le arie erano virtuosistiche e melodicamente elaborate. Le arie alla fine dominarono l’opera e l’oratorio. Le canzoni soliste al di fuori di questi generi hanno ricevuto poca attenzione. Mozart e Haydn non consideravano nemmeno le loro canzoni soliste tra le loro opere migliori. Nel frattempo, semplici canzoni strofiche con accompagnamento di tastiera prosperavano nella musica popolare.
Il 19° secolo ha cambiato tutto per la canzone d’arte. Franz Schubert ha elevato la forma con una realizzazione drammatica. Robert Schumann e Johannes Brahms hanno imparato da lui. Usavano l’accompagnamento per trasmettere un significato significativo, non solo per supportare la melodia. Felix Mendels andò oltre con Songs Without Words (1832–45). Questi brani per pianoforte senza testo evocavano immagini poetiche solo attraverso il suono. Compositori francesi come Gabriel Fauré e Claude Debussy aggiunsero armonie mutevoli e caleidoscopiche, rispecchiando i fluidi schemi di accento della loro lingua.
Sperimentazione moderna e limiti vocali
I compositori successivi continuarono a spingersi oltre i confini. Hanno ampliato la gamma del cantante, a volte trattando la voce come uno strumento. George e Ira Gershwin incorporarono il canto scat nella loro opera del 1935 Porgy and Bess. Questa tecnica jazz improvvisativa utilizza sillabe senza significato per imitare assoli strumentali.
Oggi vediamo che la tradizione è continuata. Bobby McFerrin, un cantante americano della fine del XX e dell’inizio del XXI secolo, ha sbalordito il pubblico. Usava solo la voce per imitare singoli strumenti e interi ensemble. La voce umana rimane uno strumento senza limiti. Si adatta, cambia e assorbe nuove tecniche mantenendo il suo nucleo antico.
Cosa succede quando la tecnologia ci consente di manipolare ulteriormente la voce umana? Il confine tra naturale e artificiale potrebbe nuovamente confondersi. Stiamo ancora scrivendo quel capitolo.
